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lunedì 7 febbraio 2011
Berlinguer e la "questione morale"
Riporto parte dell'intervista rilasciata da Enrico Berlinguer ad Eugenio Scalari su Repubblica, il 28 Luglio 1981.
<<I partiti di oggi sono soprattutto macchine di potere e di clientela: hanno scarsa o mistificata conoscenza della vita e dei problemi della società e della gente, idee, ideali, programmi pochi o vaghi, sentimenti e passione civile, zero. Gestiscono interessi, i più disparati, i più contraddittori, talvolta anche loschi, comunque senza alcun rapporto con le esigenze e i bisogni umani emergenti, oppure distorcendoli, senza perseguire il bene comune. La loro stessa struttura organizzativa si è ormai conformata su questo modello, e non sono più organizzatori del popolo, formazioni che ne promuovono la maturazione civile e l'iniziativa: sono piuttosto federazioni di correnti, di camarille, ciascuna con un "boss" e dei "sotto-boss
I partiti hanno occupato lo Stato e tutte le sue istituzioni, a partire dal governo. Hanno occupato gli enti locali, gli enti di previdenza, le banche, le aziende pubbliche, gli istituti culturali, gli ospedali, le università, la Rai TV, alcuni grandi giornali. E il risultato è drammatico. Un credito bancario viene concesso se è utile a questo fine, se procura vantaggi e rapporti di clientela; un'autorizzazione amministrativa viene data, un appalto viene aggiudicato, una cattedra viene assegnata, un'attrezzatura di laboratorio viene finanziata, se i beneficiari fanno atto di fedeltà al partito che procura quei vantaggi, anche quando si tratta soltanto di riconoscimenti dovuti.
[...]
molti italiani, secondo me, si accorgono benissimo del mercimonio che si fa dello Stato, delle sopraffazioni, dei favoritismi, delle discriminazioni. Ma gran parte di loro è sotto ricatto. Hanno ricevuto vantaggi (magari dovuti, ma ottenuti solo attraverso i canali dei partiti e delle loro correnti) o sperano di riceverne, o temono di non riceverne più.
[...]
noi vogliamo che i partiti cessino di occupare lo Stato. I partiti debbono, come dice la nostra Costituzione, concorrere alla formazione della volontà politica della nazione; e ciò possono farlo non occupando pezzi sempre più larghi di Stato, sempre più numerosi centri di potere in ogni campo, ma interpretando le grandi correnti di opinione, organizzando le aspirazioni del popolo, controllando democraticamente l'operato delle istituzioni.
Noi pensiamo che il privilegio vada combattuto e distrutto ovunque si annidi, che i poveri e gli emarginati, gli svantaggiati, vadano difesi, e gli vada data voce e possibilità concreta di contare nelle decisioni e di cambiare le proprie condizioni, che certi bisogni sociali e umani oggi ignorati vadano soddisfatti con priorità rispetto ad altri, che la professionalità e il merito vadano premiati, che la partecipazione di ogni cittadino e di ogni cittadina alla cosa pubblica debba essere assicurata.
[...]
Noi pensiamo che il tipo di sviluppo economico e sociale capitalistico sia causa di gravi distorsioni, di immensi costi e disparità sociali, di enormi sprechi di ricchezza. Non vogliamo seguire i modelli di socialismo che si sono finora realizzati, rifiutiamo una rigida e centralizzata pianificazione dell'economia, pensiamo che il mercato possa mantenere una funzione essenziale, che l'iniziativa individuale sia insostituibile, che l'impresa privata abbia un suo spazio e conservi un suo ruolo importante.
La questione morale non si esaurisce nel fatto che, essendoci dei ladri, dei corrotti, dei concussori in alte sfere della politica e dell'amministrazione, bisogna scovarli, bisogna denunciarli e bisogna metterli in galera. La questione morale, nell'Italia d'oggi, fa tutt'uno con l'occupazione dello stato da parte dei partiti governativi e delle loro correnti, fa tutt'uno con la guerra per bande, fa tutt'uno con la concezione della politica e con i metodi di governo di costoro, che vanno semplicemente abbandonati e superati. Ecco perché dico che la questione morale è il centro del problema italiano [...] Quel che deve interessare veramente è la sorte del paese. Se si continua in questo modo, in Italia la democrazia rischia di restringersi, non di allargarsi e svilupparsi; rischia di soffocare in una palude.
Il principale malanno delle società occidentali è la disoccupazione. I due mali non vanno visti separatamente. L'inflazione è -se vogliamo- l'altro rovescio della medaglia. Bisogna impegnarsi a fondo contro l'una e contro l'altra. Guai a dissociare questa battaglia, guai a pensare, per esempio, che pur di domare l'inflazione si debba pagare il prezzo d'una recessione massiccia e d'una disoccupazione, come già in larga misura sta avvenendo. Ci ritroveremmo tutti in mezzo ad una catastrofe sociale di proporzioni impensabili.
Noi sostenemmo che il consumismo individuale esasperato produce non solo dissipazione di ricchezza e storture produttive, ma anche insoddisfazione, smarrimento, infelicità e che, comunque, la situazione economica dei paesi industrializzati - di fronte all'aggravamento del divario, al loro interno, tra zone sviluppate e zone arretrate, e di fronte al risveglio e all'avanzata dei popoli dei paesi ex-coloniali e della loro indipendenza - non consentiva più di assicurare uno sviluppo economico e sociale conservando la "civiltà dei consumi", con tutti i guasti, anche morali, che sono intrinseci ad essa. La diffusione della droga, per esempio, tra i giovani è uno dei segni più gravi di tutto ciò e nessuno se ne dà realmente carico. Ma dicevamo dell'austerità. Fummo i soli a sottolineare la necessità di combattere gli sprechi, accrescere il risparmio, contenere i consumi privati superflui, rallentare la dinamica perversa della spesa pubblica, formare nuove risorse e nuove fonti di lavoro. Dicemmo che anche i lavoratori avrebbero dovuto contribuire per la loro parte a questo sforzo di raddrizzamento dell'economia, ma che l'insieme dei sacrifici doveva essere fatto applicando un principio di rigorosa equità e che avrebbe dovuto avere come obiettivo quello di dare l'avvio ad un diverso tipo di sviluppo e a diversi modi di vita (più parsimoniosi, ma anche più umani). Questo fu il nostro modo di porre il problema dell'austerità e della contemporanea lotta all'inflazione e alla recessione, cioè alla disoccupazione.
[...]
Il costo del lavoro va anch'esso affrontato e, nel complesso, contenuto, operando soprattutto sul fronte dell'aumento della produttività.
Quando si chiedono sacrifici alla gente che lavora ci vuole un grande consenso, una grande credibilità politica e la capacità di colpire esosi e intollerabili privilegi. Se questi elementi non ci sono, l'operazione non può riuscire.>>
domenica 6 febbraio 2011
La Regla de Ocha
La Santeria, più correttamente definita Regla de Ocha, è la pratica religiosa più diffusa a Cuba.
Essa è il risultato del sincretismo tra la religione africana, di profonda influenza Yoruba (etnia della Nigeria), e quella cattolica degli spagnoli, incontratesi sull’ Isola durante la colonizzazione avvenuta nell’800.
In questo periodo i colonizzatori europei tentarono di operare un processo di evangelizzazione per sottomettere completamente le popolazioni deportate dall’Africa: gli schiavi furono costretti a praticare molti riti cattolici ma, non volendo rinunciare alle proprie tradizioni, cominciarono ad identificare le loro divinità, gli Orishas, ai Santi cattolici, in modo da occultare gli antichi riti davanti alle autorità spagnole.
Con il passare del tempo questa “strategia” finì per operare una trasformazione profonda: non vi era più una netta divisione tra culto africano e quello cattolico; attraverso il processo di transculturazione tra le due credenze si è così realizzata una giustapposizione che ha dato vita ad una nuova religione, la “religione cubana”.
Questa in estrema sintesi, è la Santeria che, come ogni altro sistema religioso, ha una sua propria struttura, composta da gerarchie sacerdotali, liturgie, cerimonie… Occorre però aggiungere che, essendo un fenomeno culturale così ricco e complesso, la Regla de Ocha non rappresenta soltanto una religione ma un vero e proprio sistema filosofico che pone al centro l’uomo, la sua esistenza, le sue possibilità e il suo rapporto con le divinità. Tutto ciò fa delle Santeria uno degli aspetti più interessanti e peculiari della cultura e dell’identità cubana.
Nella santeria è presente il culto della natura del regno vegetale, animale e minerale e il dialogo con le forze sovrannaturali che avviene in maniera diretta o indiretta attraverso conchiglie, tamburi e altri oggetti vengono anche utilizzate candele, noci di cocco, acqua e fumo di tabacco, come ulteriori veicoli di comunicazione e di purificazione. Il canale di comunicazione per eccellenza è, come nelle religioni/filosofie spirituali adi origine africana, la DANZA. Attraverso essa corpo e anima impersonano l'Orisha di riferimento, con tutte le sue caratteristiche, avvicinandosi, fino ad abbandonarsi, ad Esso. Dunque le danze hanno soprattutto una funzione celebrativa ed esortativa, laddove si ritenga di avere bisogno dell'intervento dello spirito che spesso deve essere prima chiamato e "calmato".
Le divinità hanno con vizi e difetti tipici degli uomini. Ognuna di esse ha diverse preferenze, dal cibo ai colori che gli appartengono; dalle danze alle parti del corpo.
Chi, sulla terra, canalizza messaggi, energie, consigli, sono i "santeros" e i "babalawos".
L'influenza della Santeria sulle espressioni culturali tipicamente cubane è marcata, soprattutto nell'ambito della danza e della musica. I generi musicali afrocubani (dal Mambo alla Salsa, forse meno il Son) risentono fortemente delle figure ritmiche e sincopate utilizzate nei raduni rituali ad esempio a base di tamburi in onore del dio, o santo, Chango. La danza altrettanto si ispira ai riti d'origine Yoruba. Ogni santo ha un suo caratteristico movimento che lo distingue dagli altri e che viene ripreso e anche mostrato e illustrato ai turisti in locali come il famoso Tropicana.
Lo stato cubano considera queste espressioni artistiche un patrimonio culturale della nazione e le ha quindi elevate a livello accademico. Grazie a cio sono diventati famosi nel mondo gruppi di canto e danza folklorici, quali il "Conjunto Folklorico Nacional", "Los Munequitos de Matanzas" ed il compositore Lazaro Ros.
Gli Orishas, le divinità della Santeria, appartengono originariamente alla religione degli Yoruba, etnia africana proveniente dalla Nigeria e insediatasi, almeno inizialmente, nella zona occidentale di Cuba.
Le divinità del Pantheon Yoruba, che in Africa superavano le quattrocento, arrivano sull’isola in numero inferiore: sono rimaste solo quelle che rispecchiano le caratteristiche più vicine all’identità cubana; le più importanti sono una quindicina.
Ognuna di esse ha una mitologia ben precisa, emblemi, colori particolari, danze e ritmi propri.
Gli Orishas sono al contempo temuti e venerati, vivono accanto ai fedeli e dalla loro benevolenza o ostilità dipendono i successi o i fallimenti del credente.
Di seguito se ne raccontano alcuni:
Elegguá
Protettore delle abitazioni, è colui che apre e chiude il cammino e possiede la chiave della felicità e dell'infelicità.
Rappresenta la vita e la morte, l'inizio e la fine, il giorno e la notte; in un certo senso si situa a metà strada tra esseri umani e gli esseri divini.
Viene personificato in un bambino, messaggero giocherellone e capriccioso (a volte crudele), ma anche ingenuo tra i due mondi.
Il suo strumento è il Garavato (una sorta di ramo curvo), realizzato in legno di guayaba, utilizzato per chiudere e per aprire il passaggio. Porta con sé una sacca piena di golosità.
Senza di lui non è possibile realizzare niente, per ogni cosa è necessario i suo permesso. Lui apre e chiude le danze rituali ed è soprattutto il messaggero di Olofi.
Si sincretizza con Sant'Antonio da Padova e i suoi colori sono il nero e rosso, ma possono anche essere il bianco e nero o bianco e rosso.
Oggún
Quando balla agita le braccia come se recidesse i rami del monte con il machete, la sua arma principale. Gli piace l'aguardiente e il tabacco, si veste con rami l'albero, come ad esempio la palma
Oggún è l’oricha che forma insieme a Elegguá e a Ochosi la trilogia degli dei guerrieri del pantheon yoruba. Infatti i canti a Oggún seguono, nelle feste, quelli a Elegguá.
Questo è il santo padrone dei metalli e delle montagne, è rappresentato come uomo corpulento dal carattere aspro e diffidente.
E' il Dio della guerra e del lavoro, il creatore di tutti gli strumenti di lavoro, come il martello, coltello, sega, ecc.
I suoi colori sono il verde, lilla e nero ed è il secondo santo nella Regia de Ocha. Si sincretizza con San Pietro.
Changó
Re dei re, è considerato Dio del fuoco, dei fulmini, dei tuoni, del ballo e della virilità; padrone dei tamburi Batà (tamburi sacri per le cerimonie).
Dunque è bello, virile, donnaiolo incorreggibile, bravo ballerino ed eccellente suonatore di tamburi, guerriero coraggioso e amico fedele… ma è anche narciso, bugiardo, impulsivo e crudele.
I suoi colori sono il bianco e il rosso. Danza con un'ascia a doppio taglio, che rappresenta l'organo genitale maschile. . Si sincretizza in Santa Barbara.
Caminos di Changó (ossia i vari modi in cui la divinità si manifesta) sono: Obba Lube è Changó quando è con Obba; Obbara è il Changó povero, straccione e bugiardo; Obbaña quando è il re dei tamburi batá; Changó Eyée è il Changó guerriero; Changó Alaye e Changó Elueke quando si presenta con l’ascia bipenne; Oba Koso è il Changó impiccato; Changó Olufina quando è in relazione con la ceiba; Alafi Alafi è il Changó re dei re.
Ochún
È la padrona dei fiumi e dei torrenti (acqua dolce), dell’oro, del bronzo e del denaro. È la dea della bellezza, dell’amore, della sensualità e del piacere. È la protettrice delle donne, in particolare delle donne incinte (maternità).
È dolce, allegra, accattivante, orgogliosa, arrogante, è l’immagine della mulatta cubana.
Le appartengono il miele e la cannella che usa per affascinare e conquistare gli uomini. Ma quando si arrabbia è terribile e raramente concede il perdono. Una sua punizione può portare alla morte.
I suoi colori sono il giallo e l’oro. Usa 5 bracciali d’oro che fa risuonare per indicare a tutti la sua presenza. Il suo attributo è l'abebbe (ventaglio), fatto di piume di pavone, poi ha uno specchio e il corallo
Ochún Si sincretizza con la Madonna della Caridad del Cobre, la patrona di Cuba.
Yemayá
Generalmente è la madre della vita e padrona dell'acqua salata dei mari. È la protettrice dei marinai, padrona del piombo e dell’argento.
Ha un aspetto maestoso, è bella come il mare che le appartiene, è orgogliosa, saggia, vanitosa ma soprattutto una vera madre in quanto si dice che abbia partorito tutti gli altri Orishas.
Il suo colore è l'azzurro in tutte le sue tonalità ed il bianco.
E' sempre sorridente e si muove con portamento regale. Nella danza si esprime girando, agitando la gonna a 7 falde, come il mare in tutte le sue forme. La sua danza ricorda l’ondeggiare del mare. Indossa sette braccialetti d’argento che insieme alle sette gonne rappresentano i sette mari profondi e misteriosi.
Si sincretizza con la Vergine de la Regla. Patrona dei marinai e del porto de l'Habana.
Oyá
Sorella di Yemayà e Ochun, nonché sposa di Changó, è padrona del fulmine, del temporale e della porta del cimitero, in quanto dea della Morte.
È violenta, irascibile, ribelle, amante della giustizia e della casa, dalla quale può anche non uscire per molti anni. E' caratterizzata da atteggiamenti mascolini: guerriera instancabile, il suo carattere è forte e deciso. Nei suoi momenti di tranquillità può essere molto femminile ed appassionata, ma può divenire violentissima.
Il suo vestito è di colore rosso vino o rosa ed ama i tessuti stampati con fiori colorati, ha una cintura ornata di 9 fazzoletti colorati (mai neri). Ha una corona a cui sono appesi 9 ciondoli di rame e agita un pennacchio (iruke) fatto con la coda nera di un cavallo: con esso ella attira a sé il vento facendo delle specie di mulinelli.
Oyá (Yansá, Yansán) è l’oricha il cui corrispettivo cattolico è la Virgen de la Candelaria (La Purificazione della Vergine), ossia Santa Teresita de Jesús, e la Virgen del Carmen.
Obatalà
Obatalá è il creatore del genere umano, l’oricha della pace e della giustizia.
È il padre benevolo di tutti gli Orichas e dell'umanità. Olofi creò l'universo ma diede a Obatalà il compito di organizzare il mondo e di creare l'umanità. Dunque è la fonte primaria della purezza e della saggezza.
Il suo colore è il bianco, ma può essere rosso, marrone o altri colori che rappresentano i suoi diversi cammini . Può essere uomo o donna.
Appare come giovane e coraggioso guerriero o come vecchio accasciato o vecchia incurvita e freddolosa.
Lavora con un lurike bianco (come Oyà, infatti hanno danze molto simili) con cui benedice la gente.
Si sincretizza con Nostra Signora della Mercede.
Babalù Ayé
E' uno degli Orichas più invocati dai fedeli della Santeria, ma anche dai cattolici cubani. E' il dio delle infermità, delle epidemie e delle malattie della pelle. E' il padre del mondo e viene considerato santo miracoloso.
Le manifestazioni di devozione a Babalù Ayé sono moltissime e prendono la forma di veri e propri voti: si vedono persone che percorrono il sentiero verso il suo santuario in ginocchio, vestite di stracci bianchi, che elargiscono elemosine ai tanti mendicanti.
Si sincretizza con San Lazzaro.
Ochosi
Dio della caccia e dei cacciatori, è il protettore dei carcerati e dei latitanti.
Egli è guerriero, cacciatore e pescatore. Abita sul monte ed i suoi strumenti sono l'arco e la freccia, con cui è infallibile nella mira.
Nella danza rappresenta la caccia e abita con suo fratello Oggun.
I suoi colori sono l'azzurro, il giallo oro e il rosso.
Si sincretizza con San Norberto e San Pietro.
A Cuba con l'arrivo degli schiavi si incorporarono alla cultura popolare danze e canti soprattutto originari della Nigeria, del Congo e del Camerun. A La Habana prevalse l'etnia Yoruba che come abbiamo appena visto diede origine alla Santeria, ma altre etnie portarono altre danze afro originarie: il CONGO e l’ARARA, che al contrario della prima non sono spirituali, bensì di combattimento o altro.
Video di Elegguà, seguito da Ochùn che è interpretata della mia splendida maestra Arelys Savon, che è stata anche nientepopòdemenoche solista nel "Conjunto Folklorico Nacional de Cuba": http://www.youtube.com/watch?v=lNqaoDH1Kf0
Io ballo questo, cioè, ce provo :)
giovedì 21 ottobre 2010
domenica 26 settembre 2010
“Talking about Music is like dancing Architecture!” (F.Z.)
Zappa was more than a brilliant and prolific composer. He was a new kind of composer, one who knew no stylistic bareer: he bridged rock and pop and rhythm'n'blues and jazz and classical music. And one who knew no rules of harmony: he would play anything that made sense to him, not to a certain tradition. Zappa co-invented the concept album (he even released a double album when most rock musicians were barely beginning to make LPs), the rock opera, progressive-rock.
He made no distinction between tv commercials, doo-wop, music-hall, classical ballets, jazz improvisation or dissonant music. A living musical encyclopedia, Zappa managed to excel in all of these genres. He could have been a giant in any of them.
However, a stylistic quotation is a form of representational art because it relates directly to an aspect of society that the listener is familiar with. Zappa saw that, in order to make a statement about society, a musician can use the sounds that are stereotypical within that society, from commercial jingles to nursery rhymes to the silly voices of cartoons to any mainstream genre of music.
For better and for worse, his musical persona includes an odd aspect: a passion for satirical lyrics.
He always seemed to think of satire as his first and main art, and music as a sort of soundtrack to it. His satirical tone ranged from the childish joke to bitter sarcasm, and his favorite victim was hypocrisy, regardless of how it appears in society. His natural targets were televangelists, corporations, politicians, but also ordinary people, whether "dancing fools", "catholic girls" or "jewish princesses".
He showed no mercy for the human species, and relentlessly exposed its vices and perversion. He made fun of virtually every race, people, profession, hobby, habit, job, ideology, religion, etc. on this planet. Most of his repertory is "political", but without actually being militant: Zappa was not a protester or an activist. He was merely a man who used his brain.
It turned out that, in one of nature's most bizarre accidents, Zappa the satirical genius shared the same brain with Zappa the musical genius!!!
Zappa debuted with three masterpieces that were eclectic cut-ups of popular styles turned upside down: the concept album Freak Out (march 1966), the rock operetta Absolutely Free (november 1966) and the experimental collage of We're Only In It For The Money (august and september 1967). Zappa turned orchestral with Lumpy Gravy (october 1967) and then fine-tuned that idea with the six King Kong variations on Uncle Meat (february 1968) and with the 19-minute Music For Electric Violin And Low Budget Orchestra, off Jean-Luc Ponty's King Kong (october 1969). Zappa proved to be equally at easy playing melodic themes with a jazz band, on Hot Rats (august 1969) and especially on Burnt Weeny Sandwich (1969), that included the 22-minute Little House I Used to Live In, and deconstructing spastic free-jazz on the dadaistic masterpiece Weasels Ripped My Flesh (1969). His self-indulgence knew no limit, but at least Waka/Jawaka (may 1972), Grand Wazoo (may 1972) and Orchestral Favourites (september 1975) found a magical balance between his pop, jazz and classical propensities. His lighter vein, perhaps best summarized on Roxy And Elsewhere (1974), always coexisted with his classical ambitions, as demonstrated on the Kent Nagano-conducted Zappa (january 1983) and on the Pierre Boulez-conducted Perfect Stranger (1984), and with his fluent jazz idiom, as immortalized on Jazz From Hell (1986).
In the truth Zappa invented a bit 'of everything from new wave (We're Only In It) rock operetta (Absolutely Free), from progressive-rock (Uncle Meat) to concept (Freak Out) to punk-rock (Absolutely Free). Many of his insights (Lumpy Gravy, Weasels) have a name yet, because is not yet born a rock musician that knows how to continue.
The function of Zappa is a mix of: the composer, the director of 'conductor and producer.
Freak Out - SECOND DOUBLE ALBUM OF THE HISTORY OF MUSIC (after "Blonde on Blonde" by Dylan) - is dedicated to "buzz", the process (according to the composer) by which the individual is free of an old-fashioned way of thinking, dress and behave, and express creatively his relationship with the community.
According to the previous post –the one about PSYCHEDELIC MUSIC- let’s see Zappa’s album of 1968:
This was the first version of Frank Zappa´s "We´re only in it for the money", 1968, before it got HEAVILY CENSORED for many reasons: for example a child-embracing Jimi Hendrix on the right side of the picture, for the spoken line "I will love the police as they kick the shit out of me" was cut out; the spoken word lines "I don't do publicity balling for you any more" and remark "Flower power sucks!" were removed; several lines of the song "Let's Make The Water Turn Black" are removed, most notably the line about booger-smearing teenage friends Ronnie and Kenny Williams' mother ("and I still remember Mama with her Apron and her pad, feeding all the boys at Ed's Cafe"). Zappa believed that the line was cut because a record company executive thought the line referred to a sanitary pad.
In 1967, Zappa conceived an album, Our Man in Nirvana, which would combine the music of his band The Mothers of Invention with comedy routines by Lenny Bruce, however, when Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band was released and hugely touted as the first CONCEPT ALBUM, Zappa, who already had released two (which Paul McCartney later stated had influenced Sgt. Pepper) felt compelled to respond.
Consequently, he decided to produce instead a SATIRICAL ALBUM that parodied every cynical aspect of the fad, Sgt. Pepper, and 1960s AMERICAN society (culture, lampooning the hippies, the establishment, and everything in between… There is anger at the police, real insight into the gaps between parents and kids, and Zappa's ever-present love of plain absurdity. With the "Chrome-Plated Megaphone of Destiny," he reveals his orchestral sense and his willingness).
So Zappa's mocking attack of the "summer of love" isn't really the point, there’s something deeper about society.
The only vestige of the original album idea in We're Only in It... is the phrase "Don't come in me, in me..." in the song "Harry, You're A Beast", a reference to a Lenny Bruce routine about ejaculation.
So, the 1968 release was Zappa's answer to the Beatles' "Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band," which he lampoons on the cover. The Beatles' work had in turn been inspired by the Mothers' "Freak Out." Whatever the difference between "Money" and the Lennon and McCartney's work, though, the two albums share one similarity: they both surprise with sound. Zappa's work includes patches of melody played backward, spoken words, doo-wop, surf music, hard-edged guitar, and a note held at the end of the tone poem "The Chrome-Plated Megaphone of Destiny," which ends the album and provides Zappa's final comment to the closer of "Sergeant Pepper's," the then-spooky "Day in the Life."
The album is definitely psychedelic, but in reality Zappa has little or nothing with psychedelia: while in San Francisco became orgies of LSD, Zappa before entering the study, was lucid and sober when composing this material. Zappa was not a hippie drug addict, but a sociologist who watched from the hippie phenomenon and sensed the positive effect on the `artistic creativity.
His work is like a train of the absurd. Zappa is affixed to approach one another grotesquely incompatible elements, for example in shades hour hour epic drama, now languid hour pressing, now petulant hours impressive, but systematically misplaced. It is a true theater of the absurd, with all that voice and those big voice around the stage in funny costumes hail ranting on the public who filled the room.
This mixture of genius and brilliant idiocy will remain is the calling card of Zappa: Zappa's music will always be essentially a disguise.
This double-disc debut has the stated aim of putting to shame all the music before. It is in fact a revolutionary manifesto, but not programmatically direct sabotage. The work is cut into pieces of the duration of a couple of minutes, welded seamless: the listener is assaulted by a horde of tiny units that pursue smart with subtle ferocity plot precise… the 'representation of a squalid and inhumane society, inevitably lost in the labyrinths of the hypocrisy of `stupidity, insensitivity'.
PANORAMA OF THE NATION MORAL are Atrocious frescoes in a series of surreal episodes.
The grand finale of The Chrome Plated Megaphone Of Destiny, a piece that blends avant-garde cacophonous Varese, Cage and Zappa and culminating in a period of treatment in the study of laughter is a horrible premonition of future technology on society .
Impressive, abnormal, enormous, the quantities of citations. We're Only In It For The Money is the culmination of mounting Zappa, worthy of Soviet filmmakers of the '20s and worthy of Brecht in the opposing side as cultured hip movement to Sgt Pepper that same year had shown side-naive.
Pop-song, chaos to Varese, riffs of all sorts, white noise, sections of speech, electronics borbogliante, nonsense-nonsense, classic passages, psychedelia, pop-scripted horror: the arsenal is in full force.
We're Only In It For The Money is the third part of the great psychedelic trilogy as a whole artistic monument which is hard to find equals in the twentieth century world.
Short history of Psychedelic Music (1965 - 1969)
« Picture yourself in a boat on a river
With tangerine trees and marmalade skies
Somebody calls you, you answer quite slowly,
A girl with caleidoscope eyes »
Psychedelic rock is a style of rock music that is inspired or influenced by psichedelic culture and attempts to replicate and enhance the mind-altering experiences of psychedelic drugs.
It emerged during the mid 1960s among folk-rock and blues-rock bands in United Stated and Britain.
It often used new recording techniques and effects and drew on non-Western sources such the ragas and drones of Indian music. Psychedelic rock bridged the transition from early blues and folk music as a result influenced the development of sub-genres such as heavy metal. Since the late 1970s it has been revived in various forms of neo-psychedelia.
The Psychedelic scene was primarily a plethora of HIPPIES playing music to augment their LSD and hallucinatory experiences: in the 1960s, in the tradition of jazz and blues, many folk and rock musicians began to take drugs and included drug references in their songs.
BEAT GENERATION WRITERS like William Burroughs, Jack Kerouac, Allen Ginsberg and especially the new proponents of consciousness expansion such as Timothy Leary, Alan Watts and Aldous Huxley (“THE DOORS OF PERCEPTION”, 1954), profoundly influenced the thinking of the new generation, helping to popularise the use of LSD.
The music that the hippies listened to was designed to enhance the mind altering experiences of “Psychedelic” drugs (such as LSD or mescaline), characterized by (or generating): hallucinations, distortions of perception, altered states of awareness, and occasionally states resembling psychosis.
The bands that made the music happen were seriously Psychedelic with colourful eyeball searing acid soaked album covers and trippy light shows with a whimsical SURREAL lyrical nature.
The music had to have certain aspects to be good enough for the new psych generation of listeners: as a musical style Psychedelic rock often contains some of the following features:
- The electric guitars were DISTORTED with feedback, wah wah and fuzz boxes.
- The mixing in the studio was not just about putting down vocals and music, but very complex and elaborate effects were added such as backward tapes and long delay loops, panning and phasing sounds, extreme reverb on the guitars and the vocals, even vocals that were backmasked or fed through effects machines. The music had to sound otherworldly and off the planet!!!
- The use of exotic instrumentation was a key factor particularly the sitar and tabla and other Eastern, or Indian musical instruments.
- There was an emphasis on the keyboard that dominated the music at times, especially mellotron, electric organs and harpsichord.
- To enhance the experience of tripping out the music too was replete with lengthy instrumental and jamming and improvisation with lead and keyboard soloing and extended musical passages with varying time signatures, like a multi movement suite of songs merged together into one LONG TRACK.
- The COMPLEX song structures depended on changes in key, modal melodies, drones and time signatures.
- The lyrics were surreal or dreamlike, esoterically, inspired and based on fantasy or non-sensical, and at times whimsical and humorous. The most significant it’s maybe “white rabbit” (referred of ALICE IN WONDERLAND) by Jefferson Airplane
- Album covers featured trippy multi coloured images with Psychedelic references.
- The concert performances were a light show to augment the music and LIQUID LIGHT SHOWS REPLICATED ACID TRIPS. Such as this one of Zappa and the Mothers of Inventions:
- the IMAGE OF THE BAND was transformed, no longer wearing suits like The Beatles, Kinks, Animals or the other British Invasion bands, but now wearing multi coloured mesmirising silk shirts and very long hair became the norm. (Pink Floyd with Syd Barret the master of psych)
The origins
The Byrds, emerging from the CALIFORNIAN FOLK SCENE, and the Yardbirds from the BRITISH BLUES SCENE, have been seen as particularly influential on the development of the genre.
The psychedelic life style had already developed in California, particularly in San Francisco, by the mid-60s, where there was also an emerging music scene. This moved out of acoustic folk-based music towards rock soon after The Byrds "plugged in" to produce a chart topping version of Bob Dylan's "Tambourine Man" in 1965. A great number of Californian-based folk acts followed them bringing their psychedelic influences with them to produce the "San Francisco Sound". Particularly prominent products of the scene were The Grateful Dead, Country Joe and the Fish, The Great Society, Big Brother and the Holding Company, The Charlatans, Moby Grape, Quicksilver Messenger Service and Jefferson Airplane.
Members of the Beatles began experimenting with LSD from 1965 and the group introduced many of the major elements of the psychedelic sound (using guitar feedback and sitar) to audiences in this period. Drug references began to appear in their songs from "Day Tripper" (1965).
In Britain The Yardbirds, with Jeff Beck as their guitarist, increasingly moved into psychedelic territory, adding up-tempo improvised "rave ups", Gregorian chant and world music. They were soon followed into this territory by bands such as Procol Harum, The Moody Blues and The Nice.
Development in the USA
The SAN FRANCISCO music scene continued to develop and The first Trips Festival held at the Longshoremen's Hall in January 1966, saw The Grateful Dead and Big Brother and the Holding Company play to an audience of 10,000, giving many their first encounter with both ACID ROCK, with its long instrumentals and unstructured jams, and LSD.
Psychedelic music also began to have an impact on pop music, with The Beach Boys under the leadership of Brian Wilson, who had been experimenting with LSD from 1965, and psychedelic sounds and lyrical hints were a major part of the songs on Pet Sounds (1966) and the single "Good Vibrations", one of the first pop records to use a THEREMIN (he controlling section usually consists of two metal antennae which sense the position of the player's hands and control oscillators for frequency with one hand, and volume with the other, so it can be played without being touched. The electric signals from the theremin are amplified and sent to a loudspeaker) 
Although San Francisco was the centre of American psychedelic music scene, many other American cities contributed significantly to the new genre. Los Angeles boasted dozens of important psychedelic bands (Iron Butterfly, Love, Spirit, Captain Beefheart and his Magic Band, the United States of America, The West Coast Pop Art Experimental Band, and the Electric Prunes) perhaps the most commercially successful were The Doors. New York City produced its share of psychedelic bands, also Detroit, Texas and Chicago.
Development in the UK
In the UK before 1967 media outlets for psychedelic culture were limited to PIRATE RADIO stations like Radio Luxembourg and Radio London, particularly the programmes hosted by DJ John Peel.
The growth of underground culture was facilitated by the emergence of alternative weekly publications like IT (International Times) and OZ magazine which featured psychedelic and progressive music together with the counter culture lifestyle, which involved long hair, and the wearing of wild shirts from shops (like Mr Fish, Granny Takes a Trip and old military uniforms from Carnaby Street in Soho and Kings Road in Chelsea boutiques, Britain's hippies comported themselves in stark contrast to the slick, tailored teddyboys (dandies) or the drab, conventional dress of most teenagers prior to that. Soon psychedelic rock clubs (like the UFO Club in Tottenham Court Road, Middle Earth Club in Covent Garden, The Roundhouse in Chalk Farm, the Country Club in Swiss Cottage and the Art Lab also in Covent Garden) were drawing capacity audiences with psychedelic rock and ground-breaking LIQUID LITH SHOWS.
British psychedelic rock, like its American counterpart, had roots in the folk scene. However, the largest strand was the series of acts emerged from 1966 from the BRITISH BLUES SCENE, but influenced by folk, jazz and psychedelia, including: Pink Floyd, Traffic, Soft Machine, Cream, and The Jimi Hendrix Experience (led by an American, but initially produced and managed in Britain by Chas Chandler of The Animals).
The Crazy World of Arthur Brown added surreal theatrical touches to its dark psychedelic sounds, such as the singer's flaming headdress. Existing British Invasion acts now joined the psychedelic revolution, including Eric Burdon (previously of The Animals), and The Small Faces and The Who whose The Who Sell Out (1967, in which are included psychedelic influenced tracks "I Can See for Miles" and "Armenia City in the Sky"). The Rolling Stones had drug references and psychedelic hints in their 1966 singles ("19th Nervous Breakdown" and "Paint It, Black", the latter featuring drones and sitar).
GONG are a Franco-British progressive/psychedelic rock band formed by Australian musician Daevid Allen and their music has also been described as SPACE PSYCHEDELIC ROCK: Gong's mythology in their 3 CONCEPT ALBUM is not universally serious. Great amounts of the story pertain in some way to the production and consumption of tea (perhaps suggesting mushroom tea, although the word tea has also long been a word to describe cannabis, especially in the 1940s and 1950s). The characters of the story are often based on or used as pseudonyms for band members, and the story begins with a flying teapot…
The climax (1967)
Then the album to follow knocked the Psychedelic wave out of the park with "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".
Psychedelic rock reached its apogee in the last years of the decade.
1967 saw the Beatles release the double A-side "Strawberry Fields Forever" and "Penny Lane", opening a strain of British "nostalgic" psychedelia, followed by the release of what is often seen as their definitive psychedelic statement in Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, including the controversial track "Lucy in the Sky with Diamonds".They continued the psychedelic theme later (with the EP Magical Mystery Tour and the number one single "Hello, Goodbye" with its B-side "I Am The Walrus"). The Rolling Stones responded to Sgt Pepper later in the year with Their Satanic Majesties Request, and Pink Floyd produced what is usually seen as their best psychedelic work The Piper at the Gates of Dawn. "A Whiter Shade of Pale" by Procol Harum reached number one in the UK.
was 
a three-day concert event held June 16 to June 18, 1967 at the Monterey County Fairgrounds in Monterey, California
In America the SUMMER OF LOVE OF 1967 saw huge number of young people from across American and the world travel to the Haight-Ashbury district of San Francisco, boosting the population from 15,000 to around 100,000. It was prefaced by the Human Be-In event in March and reached its peak at the MONTEREY POP FESTIVAL in June, the latter helping to make major American stars of Janis Joplin, lead singer of Big Brother and the Holding Company, Jimi Hendrix and The Who.
The Doors' first hit single "Light My Fire" (1967), clocking in at over 7 minutes, became one of the defining records of the genre.
The Redmond Stage at the Woodstock Festival in 1969
music festival, billed as "An Aquarian Exposition: 3 Days of Peace & Music". It was held at Max Yasgur's 600-acre in the town of Bethel, New York, from August 15 to August 18, 1969.
These trends climaxed in the 1969 WOODSTOCK FESTIVAL, which saw performances by most of the major psychedelic acts, including Jimi Hendrix, Janis Joplin, and Santana.
Later that year the ISLE OF WIGHT FESTIVAL in UK (was held on August 30 - August 31, 1969, at Wootton, and attracted an audience of approximately 150,000) attracted notable performers such as Bob Dylan and The Who.
Decline
By the end of the decade psychedelic rock was in retreat. LSD had been made illegal in the US and UK from 1966. The murders of Sharon Tate and Leno and Rosemary LaBianca by Charles Manson and his "family" of followers, claiming to have been inspired by Beatles' Songs such as "Helter Skelter", has been seen as contributing to an anti-hippie backlash.
At the end of the year, the Altamont Free Concert in California, headlined by The Rolling Stones, became notorious for the fatal stabbing of black teenager Meredith Hunter by Hells Angel security guards.
Brian Wilson of the Beach Boys, Brian Jones of the Rolling Stones, Peter Green of Fleetwood Mac and Syd Barrett of Pink Floyd, were early "acid casualties", helping to shift the focus of the respective bands of which they had been leading figures.
Some bands like the Jimi Hendrix Experience and Cream broke up.
Jimi Hendrix died in London in September 1970, shortly after recording Band of Gypsies (1970), Janis Joplin died of a heroin overdose in October 1970 and they were closely followed by Jim Morrison of the Doors, who died in Paris in July 1971.
Many surviving acts moved away from psychedelia into either more back-to-basics "ROOTS ROCK", traditional-based, pastoral or whimsical folk, the wider experimentation of progressive rock, or riff-laden heavy rock.
In 1966, even while psychedelic rock was becoming dominant, Bob Dylan spearheaded the back-to-basics roots revival when he went to Nashville to record the album Blonde on Blonde. This, and the subsequent more clearly country-influenced albums, John Wesley Harding (1967) and Nashville Skyline (1969), have been seen as creating the genre of country folk. Dylan's lead was also followed by The Byrds, and other acts that followed the back to basics trend in different ways were the Canadian group The Band and the Californian-based Creedence Clearwater Revival, The Grateful Dead also had major successes with the more reflective and stripped back work The super-group Crosby, Stills and Nash, formed in 1968 (from members of The Byrds, Buffalo Springfield, and The Hollies), were joined by Neil Young for Deja Vu in 1970, which moved away from many of what had become the "clichés" of psychedelic rock and placed an emphasis on political commentary and vocal harmonies.
After the death of Brian Epstein and the unpopular surreal television film, Magical Mystery Tour, the Beatles returned to a more raw style with The Beatles (1968), Abbey Road (1969) and Let It Be (1970), before their eventual break up. The back to basics trend was also evident in the Rolling Stones' albums starting from Beggar's Banquet (1968) to Exile on Main St. (1972).
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